Silenci 1999 © Mayte Vieta “…et, comme aux temps anciens, tu pourrais dormir dans la mer” Paul Éluard, Les Nécessités de la vie
És el món de Mayte Vieta un estat de somni que esquiva la inusportable levitat de l’ésser? D’ençà dels seus inicis, el treball de l’artista ha estat centrat en la plasmaciö de mons atemporals que desprenen una gélida sensació de solitud; fragments de vida, de memória i de presència es dissolen en la immensitat de la natura.
I on s’amaga la intuition de l’instant que tan bé descrigué Gaston Bachelard? Les partícules de temps contenen tot alló que no té cabuda en la forma…la levitat, la fragilitat i el temps fugit obren un abisme entre el moment viscut i la imatge retratada.
El cos, inert i nu, levita enmig de la foscor de l’oceà en un gest que ens remet a l’origen primigeni el qual se sap empresonat i sotmès a la voluntat de la natura.
Natàlia Chocarro Bosom. Fundació Vila Casas. 09.10.10_El País 27/04 al 25/07 de 2017. Exposició Casino de Manresa.
The promise of the sirens
Marta Dahó
What is then this oh so fragil moment from which we cannot separate our indentity and which will take it away with it?Foucault, Pour une morale de l’inconfort.
This medium of fascination, where what is seen takes over sight and makes is interminable, where the gaze is immobilised in the light, whre the light is the absolute
shining of an unseen eye and which, however, does not stop seeing because it is our
own gaze in the mirror, this attractive, fascinating medium par excellence: light that is also the abyss, horrific and attractive light through wich we enter the abyss.
M. Blanchot, El espacio literario.
I always suspected that the dried fishtail poking out from the old bath full of oil was infact the remains of a drowned siren.
Marry of the moments that Mayte Vieta has been gestating in her work were already present in her first Espacio Intimo (Intimate Space). Over these years a serie of constant presences have been deploying their full metaphorical potential, through which Mayte Vieta has threated together a discourse in which she tries to share a solitude inhabited by pain and desire. The voice that lives within the works whispers enigmas about light and time to us, reserving us a pause destined for contemplation; and enchantement.
The image/desire Desire adheres to the image, it is only shown through a representation. The desire does not consume itself, it achieves its yearning to find, one is consecrated to a search. (1)
The impulse consists of lauching us, turning us into participants in a crossing, thanks to which a destiny must be achieved. The desired image leads us and, feeling ourselves touched by an immediate closeness, we had never been so distant. (2)
Desire leaves us dispossessed, our ability to give sense to things is deactivated. One stops seeing what is there. Behind the image an unlimited depth in which objects sink into an abyss yawns open; thereis no longer any ground beneath the feet of the one who is attracted.
The waters/the sea/the transparent deep
Silence. Waiting. Loneliness. The siren song leads us into the depths, there where a meeting between the last layer of what is visible and the darkest density of the unknown
is possible.The seduction of the sirens does not consist of what they allow to be heard, but for what shines in the distance of their words, the posterity of what they are saying. What theypromise is nothing but a double of what has already been lived, our past. Lending anear to this voice is to turn towards the forbidden face that has already disappeared. (3)
The mirror/the reflection/the visible/The light
Amid the fascination in which desire submerges us, we are exposed to the visual experience of absence. We confront a disappearance, a necessary attempt at an impossible rescue.
With a deliberate strategy of reconciliation, the mirror implicates us. Through the reflection our participation, our submission to the enchantment, to our role as doubles becomes obvious. It is its own story, it is our story too. The appearances are invoked forboth. A place of complacencies and overflowing. The mirror returns images to us, and contains them at the same time, shortens distances and can give rise to appearances,returning that which it captured in the past. (4)
Pain/Death/Absence/What used to be here with us only accompanies us in its absence.
The gaze of Orpheus, the gaze that, on the thresold of death, goes looking for the hidden presence, the image that it tries to carry to the light of day, without preserving anything more than its nothingness. (5) That recovered image is just the evocation of an absence, an already absent presence.
Desire drags us to listen to that voice that makes the void heard. And one has to be listening, steady at the masthead, tied hand and foot, and overcome all desires by means of an astutness that is violent to itself, withstand all suffering remaining on the treshold of the attractive abyss, and finally finding ourselves beyond the song, as if it had passed through death alive, to restore it in a second language. (6)
Mayte Vieta’s works stage, serenely and terribly, the desire and pain of this crossing. It is also possible to resist, even though the invitation to contemplation is almost unavoidable.
1. Nelly Schnaith, Paradojas de la representación (Paradoxes of representation), Café Central Barcelona, 1999
2. Maurice Blanchot, El Espacio literario (The literary space), Piados, Barcelona, 1992
3. Michel Foucault, entre filosofia y literature (Between philosophie and literature), Piados,Barcelona, 1999
4. Juan Eduardo Cirlot, Diccionario de símbolos (Dictionary of symbols), Siruela, Madrid, 1997
5. Maurice Blanchot, sic
6. Michel Foucault, sic.
Silencio, 1999. Fotografías en duratrans con marco de hierro y madera. Luz halógena. Medidas. 100 cm x 100 cm cada una. Colección Caja de Burgos, CAB.
ESPEJISMO ME CONTIENE. Colección Caja de Burgos, 2004.
Vista de la exposicion en PALMADOTZE. Vilafranca del Penèdes. 2001.
Silencio París Photo © Mayte Vieta
Silencio. PARIS FHOTO 2005. Salón internacional de la photographie, programa Statement. Galería Palmadotze. Le Carrousel du Louvre. París Comisariada: Rosa Olivares (catálogo)
S I L E N C I 1999 M A Y T E V I E T A
Silenci, 1999. Mayte Vieta.
Nada más ambivalente que lo visible. La fotografía es cómplice de lo que no existe y no existiendo es.
Mayte Vieta trabaja desde hace años con imágenes fotográficas a las que somete a un dialogo constante de otros materiales. Si bien es cierto que no ha dejado de reflexionar sobre el contraste como forma de reflexión, si puede observarse como lo fotográfico ha ido conquistando paulatinamente territorios antes reservados a lo escultórico.
La obra de Mayte Vieta ha ido centrándose con cada vez más fuerza sobre un discurso sobre lo fotográfico y, muy particularmente, sobre la ambivalencia de lo visible. Es decir, sobre la versatilidad de las imágenes fotográficas a través de una trama narrativa en la cual apariencias y superficies se revelan en toda su profundidad metafórica.
Mayte Vieta ha ido elaborando con singular coherencia un discurso sobre la inteligibilidad de la imagen a partir de ese decalage espacio-tiempo en la cual nos sitúa siempre la fotografía para adentrarse en los ambiguos territorios de lo explícito.
Como en muchos artistas de su generación, el trabajo de Mayte Vieta lejos de considerarse estrictamente fotográfico, se articula a partir de innumerables posibilidades de la imagen. Se trata de un uso amateur de la fotografía que contrasta con la utilización de otros materiales diversos, a veces incluso contradictorios. Una polaridad entre lo opaco y lo transparente, lo denso y lo ligero que transciende la esfera puramente material hasta convertirse en una dicotomía metafísica desde la cual insistir reiteradamente sobre términos como: ausencia / presencia, vida / muerte, natural / artificial… Más concretamente, en la obra de Mayte Vieta la fotografía se revela como una huella de lo real, como presencia parcial y distorsionada que conduce a una interrogación sobre él yo y lo mirado, sobre el artista y su relación con la realidad. Y a través de ese vinculo que se establece con el espectador, la artista evoca siempre un reencuentro, a la alquimia de la mirada a través de la cual llega a vislumbrarse el misterio de lo visible.
A través de una peculiar utilización de la luz y el tiempo, Mayte Vieta reflexiona sobre el abismo que se abre entre el momento registrado y el momento presente. Y es desde esta discontinuidad de lo fotográfico, aislando las apariencias de un instante inconexo, que la artista implica al espectador acercándole al momento de la experiencia vivida.
Nos invita a reconstruir la secuencialidad que asciende lo retratado y lo real con una renovada intensidad, un reencuentro entre el que mira y lo señalado apelando a una antigua unidad entre dos momentos apenas medibles.
Mayte Vieta sabe que la fotografía muestra mejor que ningún otro medio como su presencia nos brinda simultáneamente la ausencia. Se trata, sobre todo, de la ausencia del instante experimentado. Es por este motivo que lo temporal se muestra siempre con una fuerza inusitada en sus obras. Un tiempo que surge de la inquietud ante la limitación de una forma impuesta.
Ante la individualización de cada instante, ningún presente puede cargarse de una significación estable. La primera tentativa de salvación es recordarlo pero se trata de una acción estéril que cambia irremisiblemente la naturaleza del instante, un simulacro- escribe al respecto Jonh Berger- que disfraza el tiempo en una infinita repetición del pasado (1). Podríamos decir así, que el presente se preserva aislándose en el tiempo, y la fotografía participa de esta ficción manteniendo al instante suspendido.
A través del cruce de miradas, Mayte Vieta evoca al espectador la presencia lo ausente. Lo hace dotando al instante retratado de una nueva temporalidad ficticia al mostrarlo a través de un sol suplementario. La importancia de la construcción de un relato, crea así una determinada atmósfera desde la cual desvelar territorios imaginarios que, curiosamente, no dejan de sernos familiares.
(1) John Berger, Jean Mohr, “Otra forma de contar”, Mestizo, Murcia, 1997
Marta Dahó
Latente 2001 El abrazo de la naturaleza, 2004
Senderos, el duelo del invierno (2004) Fotografia en aluminio con marco de acero y madera 4cm x 127 cm x 186 cm cada una (Sendero amarillo.Colección de Arte Banco Sabadell)
